Afrika Bambaataa começou a sua carreira como dj de festas no South Bronx no começo dos anos 80, onde era líder da gang conhecida como Black Spades (espadas negras), uma das gangues mais temidas de NY na época. Ele era conhecido como o mestre dos discos, criando dois grupos de rappers: Jazzy 5 e Soulsonic Force.

Afrika Bambaataa in New York, early 1980s. Photo: Janette Beckman/Redferns

Sua vida tomou um novo rumo quando visitou a África do Sul e foi daí que ele mudou o seu nome para Afrika (seu nome real, dizem, é Kevin Donovan), nome de um líder de uma tribo zulu.

Depois de sua viagem, ele resolveu que ajudaria os membros de gangues introduzindo-os à cultura hip-hop formando a Zulu Nation. Em 1982 ele participou da primeira turnê de hip-hop fora dos EUA, levando consigo dançarinos (os famosos b-boys), grafiteiros, que o ajudaram a difundir os valores que ele considerava como essenciais no hip-hop: paz, amor, união e divertimento.

Nesta época, ele e o Soulsonic Force resolveram ir para um lado mais eletrônico: ele foi apresentado ao teclado eletrônico pelo Kraftwerk (que já eram sucesso na Europa com sua música robótica, pré-techno), além de ganhar uma beatbox eletrônica de Arthur Baker (produtor do New Order,entre outros) e um sintetizador de John Robie (produtor de artistas como Public Enemy e Run DMC).

O resultado disto foi o mega hit “Planet Rock”, música que iniciou o movimento electro-boogie que tomaria de assalto o rap e a dance music, tocada até hoje e um marco na música, misturando rock, electro pop (emprestado de “Trans Europe Express” do Kraftwerk) e funk:

Ele passou a tocar nos mais diferentes clubs de NY, tocando para um público predominantemente branco, que assim passou a conhecer o que era a música hip-hop.

Logo em seguida, em 1983, ele lançou outra música de sucesso, “Renegades of Funk”:

Durante os anos80, ele lançou vários discos, fez diversas colaborações com artistas como John Lydon e também James Brown, recém saído da prisão, como podemos ver em “Unity”:

Ele continuou a lançar novos trabalhos nos anos 90 e 2000, além de viajar o mundo discotecando. Ele já esteve algumas vezes no Brasil, onde tive a oportunidade de assisti-lo e conhecer um pouco de sua incrível bagagem musical. Seu último trabalho foi o disco “Metal” de 2005.

Bambaataa é reconhecido como o “Godfather” do hip-hop, ele praticamente nomeou o gênero, sendo reconhecido mesmo fora da comunidade, espalhando a cultura hip-hop para Europa, África e Ásia. Além disso, ele é pioneiro no uso da bateria eletrônica e no uso de computadores na música; vários estilos musicais como house, techno, R&B, Miami bass, funk carioca, devem muito ao pioneirismo de Bambaataa.

O enfocado hoje é o rei do scratch, sem ele a cultura hip-hop não teria existido, ele é o Grandmaster Flash.

Ele se encontrava na hora certa no lugar certo, na NY dos anos 70, quando o Bronx vivia na pobreza e uma nova cultura de rua começava a se manisfestar, com os negros fazendo sua própria diversão, com suas gangues, festas, artistas de grafite, uma cultura que irá se espalhar pelo mundo como o movimento hip-hop.

Joseph Sadler (seu nome verdadeiro) cresceu no South Bronx, onde estudava engenharia elétrica. Desde cedo ele mostrou interesse em mexer no toca-discos de vinil de seu pai, com o qual treinava nas horas livres. Foi desta experiência que ele teve a idéia de usar o turntable (toca-discos) como um instrumento, mudando o seu destino e o da cultura hip-hop.

Grandmaster (ou grande mestre) discotecava nas festa de sue bairro, foi lá que a cultura hip-hop nasceu e ele participou deste início, tocando os discos de vinil e dando aquela quebrada no meio, ou seja, mexendo o disco na direção contrária (no sentido anti-horário) criando o scratch. Ele foi aperfeiçoando cada vez mais sua técnica, chegando a fazer marcas de pincel fluorescente ou crayon para se lembrar dos compassos que criava. Abaixo uma cena do filme “Wild Style” que mostra um pouco de sua técnica:

O papel do dj no hip-hop foi aperfeiçoado por ele, que renovou os movimentos no vinil, fazendo com que cada dj imprimisse a sua marca, fazendo sua própria batida, sua própria música. Ele acaba por deixar os MCs falarem cantando em cima de suas batidas, abrindo caminho para os rappers improvisarem tendo sua música ao fundo.

Ele logo criaria o seu próprio grupo musical: o Grandmaster Flash and the Furious Five, um grupo de performers que o acompanhava dançando, improvisando; sendo que um de seus maiores hits é “The Message” :

Na música ‘White lines”, ele faz uma autocrítica sobre quando foi viciado em cocaína:

Mas ele ficou mesmo conhecido dos apreciadores de rock, new wave e de uma maior fatia de público ao ser citado na música “Rapture” que o Blondie fez em homenagem à cultura hip-hop, como podemos ver neste trecho de um programa da BBC sobre o nascimento do hip-hop:

Grandmaster Flash foi inclusive o primeiro grupo de hip-hop a ser reconhecido pelo Rock n’ roll hall of fame, além do prêmio de ícone do hip-hop pela BET (Black Entertainment Television).

Além disso, ele continua a se apresentar pelo mundo discotecando, lançando álbuns, bem como falando de sua carreira biografia: “The Adventures of Grandmaster Flash – My life My beats”.

Mas antes falaremos um pouco sobre as diferenças entre hip-hop e rap, uma discussão que sempre teve diferentes versões. Bem, o hip-hop é uma cultura iniciada nos anos 60, primeiramente na Jamaica e depois transferida para os EUA nos anos 70 em outro contexto sócio-cultural. O gênero é formado por quatro pilares fundamentais: rap, djing, breakdance e o grafite.  O rap é um canto falado, formado por ritmos e poesias, que também pode ter um fundo musical que varia entre samples e bases rítmicas.

Assim sendo, o hip- hop englobaria o rap, mas a discussão continua no quesito musical, visto que a música hip-hop tem diferenças básicas da música rap, já que nem toda música hip-hop contém rap, e nem tudo que contém rapping é necessariamente rap. Mas para facilitar o entendimento: o hip-hop é um modo de vida, enquanto o rap é puramente música. Também gosto da definição de KRS-One: hip-hop é algo que você vive e rap é algo que você faz.

Não poderíamos iniciar este assunto sem falar daquele que foi a maior influência na cultura hip-hop, sem ele não haveria nenhuma revolução na música negra e ele é o godfather of soul, o mr. Dynamite: James Brown.

James Brown teve uma vida bem difícil antes de estourar na música: ele veio de uma família extremamente pobre, fez de tudo um pouco, desde engraxate até lavador de pratos, inclusive chegando a roubar e cumprir pena na prisão.

Mas seu interesse pela música e dança veio desde cedo, já que um de seus bicos era dançar para entreter soldados antes da Segunda Guerra, tendo como inspiração o astro Louis Jourdan, famoso nos anos 40.

Em 1963, James Brown e The Famous Flames fazem uma reviravolta em suas carreiras ao gravarem o LP ao vivo “Live at the Apollo”.  O álbum ficou 14 semanas nas paradas alcançando o segundo lugar e gerando hits de sucesso como “Out of Sight’, como no vídeo abaixo onde já notamos todo o groove que Brown possuía:

Logo em seguida, em 1965, Brown lança mais dois super hits: “Papa’s got a brand new bag” e ‘I got you (I feel good)”, sendo que o primeiro vence o Grammy de melhor gravação de Rhythm & Blues:

Sexy, animado, estiloso, Brown levava o público à loucura com seu jeito especial de mexer os quadris, seus gritinhos, usando calças justas, botinhas de cano curto, topete, estilo este super moderno para uma época em que os negros ainda lutavam para ter seus direitos reconheci-dos.

A música ‘Cold Case”, uma das primeiras a conter um drum break e uma harmonia reduzida a um único coro, é considerada a primeira música originalmente funk e atingiu o primeiro lugar nas paradas em 1967.

Os arranjos instrumentais de suas músicas seguintes mostrariam novas experimentações com guitarras, baixos, baterias e sopros. Este novo estilo traz também os vocais de Brown quase que falados em ritmos, um pouco falado e um pouco cantado, influência direta no rap e no hip-hop que viriam nos anos seguintes como notamos em canções como “I got the feelin”:

Nos anos 70, tanto a banda que acompanhava Brown como os integrantes do Famous Flames acabam saindo e ele se junta aos J.B.’s, banda que o acompanhará até o fim, sofrendo algumas alterações. Um dos primeiros sucessos deles é “Get up (I feel like being a) sex machine” e um de seus integrantes era Bootsy Collins no baixo:

Bootsy e outros membros acabam formando o Parliament-Funkadelic e o estilo mais funkeado de Brown acaba sendo preterido pela disco music, mesmo tendo ele realizado alguns álbuns que flertam com este estilo.

L to R: Bootsy Collins, James Brown and Catfish Collins live in 1971. (Photos: Getty)

Com a chegada dos anos 80, Brown tem um ressurgimento, aparecendo em filmes como Blues Brothers, Doctor Detroit e Rocky IV, além de estrear em um episódio da série de TV Miami Vice.

Nos anos 90 e início dos anos 2000, Brow continuou a lançar discos, fazer shows, mas a idade já mostrava suas marcas, bem como seu difícil temperamento se metendo em problemas com a polícia e tendo sua saúde debilitada. Ele veio a falecer em 2006, vítima de uma insuficiência cardíaca causada por pneumonia.

O estilo de Brown pavimentou o caminho para todos os artistas negros surgidos após ele, desde Sly and the Family Stone até Michael Jackson, todos aprenderam com o mestre James Brown.

Não é a toa que ele é o artista mais sampleado em todos os tempos e toda vez que se fala em funk, rap, hip-hop , soul, ele é o artista que mais é citado e lembrado como o mais influente.

O Mötley Crüe começou sua carreira no circuito de bares de Los Angeles, formada em 1981 por Nikki Sixx, Greg Leon e Tommy Lee. A eles juntou-se o vocalista Vince Neill e a partir daí estava formado o grupo e prontos a conquistarem o sucesso.

Seu primeiro álbum foi por uma pequena gravadora, “Too fast for Love” e acabou tendo certa repercussão vendendo 20 mil cópias. A gravadora Elektra estava de olho neles e assinou com a banda lançando o álbum “Shout at the devil” em 1983, com o hit “Looks that kill’ bombando na MTV:

O álbum ganhou disco de platina, mas nesta época Neill já mostrava que ainda se meteria em muitas encrencas, sofrendo um acidente de carro que matou um companheiro (Nicholas Dingley do “Hanoi Rocks”) por dirigir bêbado e cumpriu alguns dias na prisão. Estes escândalos só vieram a aumentar mais a curiosidade dos fãs e a mítica em torno da banda.

Nicholas Dingley do “Hanoi Rocks"

Seu disco seguinte “Theatre of pain” também teve ótima vendagem e originou o hit “Smokin’ in the boys room” (um cover do Brownsville Station) que chegou ao top 40:

O sucesso continuou durante os anos 80, sendo que em 1987 eles lançaram “Girls, girls, girls” que atingiu o segundo lugar nas paradas e cuja música título teve alta rotação nas rádios e na TV:

Neste período, eles se preparavam para uma turnê européia, quando Sixx teve uma quase fatal overdose de heroína, o que fez a banda repensar o lifestyle movido a drogas e optar por clínicas de reabilitação. Eles voltaram em 1989, desta vez limpos e sóbrios para lançarem aquele que seria seu maior sucesso comercial: “Dr. Feelgood”, que deu origem ao single que dá nome ao álbum.

Com a chegada dos anos 90, a música do Mötley Crüe vai perdendo espaço para o grunge, além de vender menos discos, eles enfrentam problemas entre seus membros, alguns acabam saindo, outros entram, além de brigas com gravadoras, empresários e também com suas respectivas esposas.

Tommy Lee, na época casado com Pamela Anderson, é acusado de abuso por ela e fica preso durante um ano. Ao sair ele briga com Neill e forma uma outra banda, a Methods of Mayhem.

Até que em 2005, eles finalmente voltam às boas e partem para uma turnê de reunião que coincide com o lançamento da coletânea dupla “Red, White & Crüe”, que lhes dá um novo disco de platina.

O Mötley Crüe sempre representou os excessos de uma banda de rock: poseurs, mulherengos, briguentos, viciados em drogas, álcool, sexo, seu estilo influenciou várias bandas de cabeludos, com seu jeito de vestir, altamente maquiados e montados.

Em 2008, a banda realizou o Crüe Festival, onde reuniu bandas de hard rock e teve ótimo público.

Ano passado, eles completaram 30 anos de estrada e fizeram shows no Brasil.

Agora durante o mês de fevereiro, a banda está tendo uma residência fixa em Las Vegas, com shows praticamente vendidos e no ano que vem, eles devem lançar um filme baseado na autobiografia da banda chamado “Dirt”.

Além disso, eles acabam de estrear um comercial para a marca de carros KIA,  que veiculou no último Superbowl:

Um dos assuntos mais falados no meio musical no momento é a possível volta do Black Sabbath , com praticamente sua formação original, para gravar um novo disco ainda este ano.

Esta notícia deixou os fanáticos da banda em polvorosa e não é para menos, já que o BS é uma das bandas mais reverenciadas do heavy metal em todos os tempos. Eles abriram caminho para toda uma geração de metaleiros ao lançarem seu primeiro disco ‘Black Sabbath” em 1970, no qual destacamos o vídeo que dá nome ao álbum:

A formação original era composta por Ozzy Osbourne, Tony Iommi, Geezer Butler e Bill Ward. Inicialmente eles tocavam um blues mais acelerado que acabou num hard rock até se tornar o embrião do gênero heavy metal. As letras eram mais obscuras, falavam de ocultismo, de demônios, quando ninguém pensava em abordar estes temas. Butler gostava muito de magia negra e filmes de terror e ao ver o filme de Mario Bava “Black Sabbath”, estava definido o nome da banda.

O segundo álbum deles viria a ser o maior sucesso comercial do BS, ‘Paranoid”, atingindo a primeira posição na parada inglesa, além de discos de ouro e platina. Além disso, o disco abordava temas como a Guerra do Vietnã e mostrou um amadurecimento da banda.O álbum originou o hit que dá nome ao disco:

Bem como “Iron Man”, considerada uma das maiores canções de heavy metal:

O terceiro álbum é talvez o mais obscuro e introspectivo de sua carreira, “Maters of Reality”, de 1971, álbum responsável pela criação de um novo estilo de heavy metal: o doom metal, ainda mais obscuro e melancólico, com ritmos em andamento longo e músicas de longa duração. Um detalhe importante é que Tommy Ionni toca a guitarra em dó sustenido, para poder acompanhar o estilo vocal de Ozzy e para dar um som mais pesado. Confiram nesta apresentação ao vivo de “Children of the grave”:

Nos álbuns seguintes, a banda demonstrou uma influência do rock progressivo (tão na moda na época) e isto fica bem visível em “Sabbath Bloody Sabbath” com a participação de Rick Wakeman (na época no “Yes”) nos teclados:

Neste período, a banda se envolveu pesado com drogas, especialmente com LSD, atrasando o lançamento de discos, shows, além de mudança de gravadora.  Em 1977, Ozzy sai da banda, voltando em 1978, para depois sair definitivamente em 1979, devido a irreversíveis conflitos com a banda, causada especialmente pela sua dependência em álcool e drogas. No lugar dele, entra Ronnie James Dio (que faleceu em 2010), com o qual gravam o álbum “Heaven and Hell” que devolve um pouco do sucesso de vendagens ao BS.

Black Sabbath com Ronnie James Dio no vocal

Nos anos posteriores, a banda tem várias mudanças entre seus integrantes, trocando várias vezes de vocalistas, bem como os instrumentistas. Foi somente em 1998 que a banda retornou à sua formação original gravando o álbum “Reunion” e realizando alguns shows como mostra abaixo onde tocam “War Pigs”:

Depois de disputas em tribunais pelo direito ao nome, parece que finalmente os membros originais chegaram a uma solução e marcaram para este ano o retorno da banda, com um disco novo produzido por Rick Rubin, além de shows ao vivo. O único membro original que não estará nesta reunião é Bill Ward, que anunciou no Facebook que não iria participar.

O legado do Black Sabbath para a música é fantástico, eles influenciaram desde os grupos de heavy metal até os grupos de grunge. Suas músicas estão sempre presentes em versões covers nos shows de bandas como Anthrax, Pantera, Guns N’Roses, Megadeth, System of a Down, Type O Negative e muitas outras que simplesmente veneram o BS. Seu estilo de vestir com jaquetas e casacos de couro pretos, cabelos compridos, maquiagem nos olhos e crucifixos moldaram o estilo de vestir de todos os admiradores do heavy metal.

A banda foi criada pelos irmãos Malcom e Angus Young em 1973, em Sydney, Austrália e desde o começo mostraram fazer o mais puro rock n’roll, com boas doses de guitarras e músicas para animar os jovens.

O nome da banda se originou do que estava escrito atrás da máquina de costura da irmã deles, sobre a voltagem: alternating current/direct current (em português: corrente alternada/corrente contínua), o que traduzia a energia da banda.

O seu primeiro álbum foi lançado apenas em 1975, “High Voltage”, já com o vocalista Bon Scott (já que o anterior, Dave Evans, foi demitido da banda), lançado primeiramente somente na Austrália. Naquele ano mais tarde, eles lançariam “It’s a long way to the top (If you wanna rock n’ roll)”, incluído no segundo álbum da banda “T.N.T.”:

O primeiro álbum internacional do AC/DC foi uma junção de High Voltage e TNT que acabou vendendo mais de três milhões de cópias e abrindo caminhos para assinar com a gravadora Atlantic e excursionar com uma turnê mundial em 1976.

Antes disso eles tiveram sucesso também com “Jailbreak” de seu terceiro álbum “Dirty deeds done dirt cheap”:

Nos anos seguintes, a banda lança novos discos com destaque para ‘Highway to Hell” de 1979, o primeiro a entrar no top 100 de vendas da Billboard (em 17º lugar) e o qual originou a música título, até hoje cantada pelos fãs nos show das banda:

No mesmo álbum está também “If you want blood (you’ve got it)”:

Porém, “Highway to Hell” acaba sendo o último álbum com o vocalista Bon Scott, que veio a falecer em 1980. Até hoje a morte dele gera especulações: a polícia concluiu que foi causada pelo excesso de álcool no organismo, mas outras versões apontam a possibilidade de uma overdose de heroína ou até mesmo por ele sofrer de asma (já que a temperatura em Londres no dia em que ele faleceu estava abaixo de zero).

Com a morte de Scott, a banda pensou em desistir, mas resolveu contratar um novo vocalista, Brian Johnson, com o qual gravaram “Back in Black”, o maior sucesso comercial da banda, com mais de 22 milhões de cópias vendidas (somente nos EUA) e sendo o quinto disco mais vendido lá em todos os tempos. Aqui destacamos “You shook me all night long”:

Brian continua na banda até hoje, assim como Angus Young e seu inconfundível estilo de tocar guitarra que o tornaram um dos dez melhores guitarristas do rock mundial. Angus também tem um estilo próprio no palco, vestindo-se de colegial (que tornou-se símbolo da banda) e fazendo a dança ‘Duckwalk”, influenciada por Chuck Berry.

Depois de novas brigas e substituições, a banda continua a gravar discos, passando por altos e baixos em sua carreira, mas mantendo seu público. Em 2010, eles lançaram o disco “AC/DC: Iron Man 2”, trilha da segunda parte do filme “O homem de ferro”.

O ano de 2013 vai marcar o aniversário de 40 anos do AC/DC, a banda deve preparar muitos lançamentos especiais e talvez um disco novo, estamos curiosos.

Lemmy Kilmister era roadie da banda de Jimmi Hendrix até ingressar na banda psicodélica Hawkind, na década de 70.  A banda chegou a fazer um certo sucesso na época, mas Lemmy acaba sendo dispensado da banda por problemas com drogas.

Ele não desiste e resolve formar sua própria banda, juntamente com Lucas Fox e Larry Wallis e a chamam de Bastards, mas logo trocam pelo nome que os tornou lendas no rock: Motorhead (gíria que significa viciados em anfetaminas).

A banda sofre novas substituições, mas continua tendo Lemmy como líder e gravam “Parole”, que acaba não sendo lançado por ser pouco comercial.

O primeiro trabalho acaba sendo lançado apenas em 1977 e é simplesmente intitulado ‘Motorhead’. A banda começa a ser notada mesmo a partir do segundo trabalho “Overkill” que contém o hit “Louie Louie” (cover da original de Richard Berry & the Pharons)

Nos anos seguintes, eles lançariam mais dois álbuns de sucesso: “Bomber” (1979) e “Ace of Spades” (1980), além de finalmente lançar o álbum “Parole”. O álbum “Ace of Spades” acaba se tornando o grande clássico da banda, reverenciado pelos amantes do metal e colocando o Motorhead entre as grandes bandas do gênero. Um dos destaques do álbum é a faixa título:

Logo em seguida eles lançam o álbum “Iron fist’ puxada pela faixa título que mais uma vez mostra o carisma de Lemmy:

Os próximos trabalhos vêm marcados por desentendimento na banda, saída de integrantes, mas Lemmy continua firme e forte lançando novos discos, tanto de estúdio quanto ao vivo e se apresentando em vários países.

Em 1992, eles lançam seu maior sucesso comercial, o álbum ‘March or Die” com Slash (na época no “Guns n’ Roses”) participando em várias faixas e uma contribuição com Ozzy Osbourne, a faixa “Hellraiser”, incluída na trilha sonora do cultuado filme de terror:

Lemmy, a figura central da banda, é um cara polêmico, mas sabe o que diz e faz, ele já viu de tudo em optar por uma vida de rockstar e até lançou uma autobiografia com o sugestivo título de “White line fever” (a febre da linha branca).  Seu estilo inconfundível com cabelão comprido, bigodão, calça de couro, chapéu teve influência na moda e nos fãs que copiam seu jeito. Ele já está com 67 anos, alega que está ficando surdo, mas está lá sempre mandando bem nos shows da banda, com toda a energia possível.

Wendy O' Williams and Lemmy Kilmister

No ano de 2000, o Motorhead completou 25 anos de estrada e fez shows comemorativos, bem como fez parceria com o Sepultura até vencer um Grammy na categoria metal. A banda continua na ativa, tendo se apresentado no Rock in Rio no ano passado. Seu trabalho mais recente é “The World is yours” de 2010. Neste mesmo ano foi lançado o documentário ‘Lemmy”, sobre sua carreira e contribuição ao rock com depoimentos de Alice Cooper, entre outros.

O Kiss foi formado em 1973 (portanto tem quase 40 anos de estrada) por Gene Simmons e Paul Stanley, a eles se juntaram Ace Frehley e Peter Criss, que responderam um anúncio na revista Rolling Stone.

O Kiss é uma das bandas símbolos dos anos 70, época em que sua popularidade era ainda maior, já que causavam sensação por onde passavam.

A maquiagem da banda com o rosto pintado de preto e branco foi concebido conforme a personalidade de cada integrante: Gene, The Demon, com um make lembrando filmes de terror; Paul, The Starchild, uma estrela do rock; Ace, The Spaceman, com estética futurista e Peter, The catman, remetendo a felinos.

O figurino, ultrajante, com botas de salto bem alto, foi calcada em uma mistura de super-heróis com teatro japonês.

Eles estavam prontos a dominar o mundo, no início chamando mais a atenção pelo visual, bem como a pirotecnia utilizada em suas apresentações ao vivo, com direito a guitarras enfumaçadas, fogos (e sangue) sendo cuspidos, bem como vôos na platéia, fogos de artifício, além de mostrar revolta quebrando os instrumentos.

Ao assinar com a Casablanca, eles lançaram seu primeiro álbum em 1974, simplesmente intitulado Kiss, mas que não obteve o resultado esperado.

Foi com o álbum de 1975, “Dressed to kill” que a carreira do Kiss dá uma guinada, alavancado pelo sucesso de “Rock and roll all nite”. Mas a música só viria a estourar mesmo quando foi incluída em “Alive!”, primeiro álbum da banda a alcançar o disco de ouro e um dos primeiros álbuns duplos ao vivo a serem lançados, vendendo mais de 20 milhões de cópias e conquistando seu lugar na história do rock n’ roll:

A partir daí, o Kiss cai nas graças do público americano e mundial, lança um novo disco, “Destroyer”, e acaba conquistando a Europa e Japão. Um dos hits do disco é “Detroit Rock City”:

Durante o restante dos anos 70, o Kiss mantém a boa fase, gravando bons discos e fazendo turnês de grande sucesso pelo mundo. Outro hit deles de 1979 é “I was made for lovin’ you”:

A banda começa a ter problemas nos anos 80, com vendagens menores e brigas internas que acabam na saída de Peter Criss em 1980. Em 1982, com o disco “Creatures of the night”, o Kiss tem outro sucesso com “Love it loud”:

Em 1983, a banda toca no Brasil para um dos maiores públicos deles em todos os tempos no Maracanã, mas desta turnê não participa também Ace Frehley, devido a problemas com drogas.

Durante meados nos 80 até meados dos 90, a banda não tem das melhores fases, depois de algumas trocas na formação original, resolvem também lançar um disco sem maquiagem, mas não é muito bem aceito. Até que em 1995, eles aceitam o convite da MTV e gravam um Unplugged (acústico)com a volta da formação original.

A banda vê que uma volta da banda original e mantendo a maquiagem daria um bom retorno e fazem uma turnê milionária pelo mundo. Até 2000, eles permanecem juntos, mas neste ano, antes da “Farewell tour”Peter Criss tem uma laringite e se afasta da banda. Logo em seguida, Ace Frehley sai novamente da banda.

Hoje o Kiss continua a excursionar, sem Frehley e Criss (que partiram em carreira solo), mas mantendo a tradição de fazer o que os fãs gostam: muito barulho, efeitos especiais e o máximo em diversão e rock. Este ano eles devem lançar um novo disco, “Monster”, e provavelmente uma nova turnê mundial.

Charlotte é a filha primogênita do casal Jane Birkin e Serge Gainsbourg, ela não tem uma beleza de padrão tradicional, mas ela tem um charme, uma presença em cena, que não desgrudamos os olhos dela.

Ela cresceu no meio artístico, cercada por músicos, artistas, atores e atrizes, desenvolvendo o gosto pelas artes e se expressar através desta.

Charlotte tem uma excelente carreira no cinema, onde estreou diversos filmes seja de Michel Gondry (“The Science of sleep”), Alejandro Iñárritu (“21 Gramas”), e agora ela é a musa de Lars Von Trier, com quem fez dois filmes “Anticristo” e “Melancholia”. Ela já ganhou o prêmio César de revelação e a Palma de Ouro do Festival de Cannes por “Anticristo”.

Mas na música, Charlotte tem um relacionamento especial, já que em 1986 ela lançou “Charlotte Forever”, com produção de seu pai. Antes disso, ela já causava polêmica com “Lemon Incest”, dueto com Serge que chocou os franceses com seu vídeo mostrando Charlotte cantando na cama ao lado de seu pai:

Charlotte só voltou a lançar outro álbum solo em 2006, com “5:55” que tem a produção do duo francês Air.  Ela juntou-se ao Air em uma apresentação com a música “Beauty Mark”:

A música dela é um pop sofisticado, com excelente produção como mostra o clipe de “The Operation”:

Ela gostou tanto de voltar a cantar que, logo em seguida, lançou o álbum “IRM”, desta vez com produção de Beck, onde destacamos “Master Hand”:

Charlotte além de tudo, é naturalmente elegante, ela não precisa fazer esforço algum, cada gesto seu, o jeito de andar, a postura, fora o jeito de vestir conquistaram estilistas como Nicolas Ghesquière, que tem nela uma das musas máximas da Balenciaga, para quem ela posou para anúncios como este do perfume, como mostra a foto abaixo:

No final do ano passado, Charlotte lançou “Stage Whisper” onde ela interpreta “Terrible Angels” e o vídeo é ótimo com várias Charlottes look- a- likes:

O interessante é que este álbum é como um disco duplo, pois além de trazer oito músicas novas, ainda traz onze canções ao vivo, incluindo músicas dos álbuns anteriores. Mas Charlotte se sai melhor em estúdio com orquestrações mais elaboradas.

Zooey despontou para a fama com sua participação em filmes como “Almost Famous” (Quase famosos), “The hitchhiker’s guide to the galaxy” (O Guia do mochileiro das galáxias), entre outros.

Antes disso, em 2002, ela já mostrava seus dotes musicais, loira e cantando duas canções no filme “Elf”:

No filme “Bridge to Terabithia” (Ponte para Terabítia), de 2006, ela canta duas músicas: ‘Why can’t we be friends” e “Someday”

Mas foi com o filme ‘500 days of Summer” (500 dias com ela) de 2009, que ela virou um household name (um nome facilmente reconhecido pelas platéias), no papel de Summer, a paixão do personagem de Joseph Gordon-Levitt e com quem ela termina um relacionamento deixando-o desesperado. Mesmo não cantando no filme (somente na trilha), ela ‘rouba” o filme e conquista vários novos fãs.

Um ano antes do filme estrear, ela lançou o álbum ‘Volume One” com seu companheiro de banda, Matt Ward. Os dois são conhecidos como She & Him. Aqui destacamos o seu primeiro single: ‘Why do you let me stay here”

O She & Him faz um pop suave, suas composições são românticas e sonhadoras. Além de cantar, Zooey também é letrista e instrumentista sabendo tocar teclado, percussão, banjo e até ukulele (violão de 4 cordas de origem havaiana). Ela denomina como suas principais influências ColePorte, Gershwin, Carole King, Roy Orbison e Bobbie Gentry.

O seu segundo álbum chama-se Volume 2 e entre os destaques estão as músicas “Don’t look back” e “Thieves”

O duo também se apresentou em festivais como o South by Southwest, bem como o Newport Folk Festival. No Natal que passou, eles lançaram o álbum “A Very She & Him Christmas”, todo recheado de canções natalinas.

Zooey continua a mil com sua carreira de atriz, ela é a estrela principal do seu próprio sitcom, a série “New Girl”, divertida comédia sobre uma jovem que vai morar com três rapazes sem conhecê-los direito. Zooey inclusive compôs e canta o tema de abertura:

No último final de semana, ela apareceu no Globo de Ouro onde concorria como melhor atriz de série cômica, mas acabou não levando o prêmio. Mesmo assim, Zooey foi bem estilosa em um modelito Prada verde e preto com penteado 60’s e com as unhas pintadas de uma maneira bem original.